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    Entrevista a Pedro de Llano Neira

    Conocí a Pedro en el año 2008 en una inauguración de la artista Amaya González Reyes titulada Artísticamente (In) correcto en Zona “C”, un espacio de la Concejalía de Cultura de Santiago de Compostela muy cercano al CGAC. Estaba próxima la lectura de su tesis sobre la transformación ideológica de la crítica formalista de Greenberg y en el ambiente volaban algunas bromas sobre qué opinaría Clemente Greenberg del trabajo de Amaya, ya que su instalación podría etiquetarse, sin duda alguna, como abstracción postpictórica a pesar de ser escultura expandida. Aquel era un Pedro de Llano de pocas pero incisivas palabras, tímido y observador.

    Seis años después aquel doctorando se ha convertido en un sólido agente del panorama nacional. Comisario de pecios y naufragios rescató del olvido el Ocen Wave, aquel pequeño Guppy de trece pies en el que Bas Jan Ader terminó sus días en algún punto entre Massachusetts y la costa de Irlanda. In search of the miraculous: Treinta años después, la exposición retrospectiva que comisarió para el CGAC en 2010, aún es recordada como un exitoso rescate de un artista náufrago en las emociones y en la vida, honesto productor de frágiles instantes de fracasos y caídas. También en La Ballena Negra (2013), proyecto que presentó en el X aniversario del museo MARCO de Vigo, rescata un fracaso de diferente naturaleza; La fatal coincidencia en la fecha del hundimiento del Prestige con la inauguración del museo le sirven como punto de partida para desarrollar un discurso pivotante entre lo glocal, el colonialismo, la dictadura de las industrias energéticas o la defensa medioambiental. “La Ballena Negra fue simplemente la reacción que tuvimos en ese momento a todo el problema que causó el Prestige tanto a nivel medioambiental como social, surgieron ideas para hacer algún proyecto y las empezamos a debatir entonces, pero no se llegó a convertir en una exposición. Si hubo ocasión de seguir trabajando sobre eso y se hizo este volumen titulado Wrong site arte y globalización. Luego, años después, yo seguía creyendo que ese proyecto tenía una parte discursiva que se trató muy bien en ese libro, pero que tenía también otra parte expositiva que podía resultar muy interesante y seguí trabajando en ello. Vi que el momento y el lugar perfecto para realizarlo sería en el X aniversario y en Vigo, en el MARCO, que de alguna manera formó parte de toda esa historia y ésta exposición fue una manera de recordarlo”.

    El museo se convierte para de Llano en un dispositivo para la memoria, un catalizador de recuerdos que se activa frente a la virílica velocidad de un tiempo incierto. Hoy más que nunca está reflexión sobre la naturaleza del museo se legitimiza. Venimos de una década en la que se ha mitificado el museo como ejemplo de cultura, riqueza y bienestar, donde sistemáticamente se ha plantado un pequeño Guggenheim en cada Comunidad Autónoma. Paradógicamente, lo que se ha conseguido es la antinomia: la precarización y el descrédito del trabajo artístico contemporáneo. Pero de Llano propone una afirmación proactiva ante esta pequeña catástrofe; así surge El medio es el Museo. En el año 2008 y adelantándose, quizá, al crash de la burbuja inmobiliaria Pablo Fanego y Pedro de Llano proponen una exposición ad hoc: “En El medio es el museo lo que nosotros queríamos plantear era, una vez que se había producido toda esa ola de infraestructuras culturales en España, muchas de ellas muy necesarias, y otras muchas muy superfluas, cómo podíamos investigar con los artistas el modo de trabajar con estas instituciones en el presente. Las conclusiones a las que llegamos en aquel momento tenían que ver con la investigación del contexto y con la posibilidad de hacer trabajos site-specific. Recuerdo por ejemplo el proyecto que hizo la artista Maria Eichhorn, una artista de Berlín que a partir de una carta de una persona que fusilaron en la Guerra Civil, alguien que simplemente trabajaba en el ayuntamiento de Ponteareas y que estuvo encarcelado en el MARCO por defender la República fue castigado, encarcelado, y en último término ejecutado por las tropas de Franco. Ese fue un proyecto inolvidable para mi en mucho aspectos y creo que es, desde luego, una pauta a seguir en cuanto a qué posibilidades de trabajo con el contexto y con la historia pueden tener los artistas y los museos contemporáneos. También nos interesó mucho en aquella ocasión investigar las posibilidades y los lenguajes de la danza y la performance con, por ejemplo, Sergio Prego uno de los representantes más importantes de los noventa u otras figuras internacionales…por aquel entonces fue la primera vez que se expuso en España algo de Tino Seghal”.

    La fascinación por el arte de la performance es algo que se destila de las palabras de de Llano. No sólo acerca de Seghal y su producción titulada The Kiss para El medio es el museo, un baile ritual de besos inspirados en la historia del arte cuya ejecución resultaba casi obscena, provocando un incómodo pudor en el espectador. También de Llano nos habla de Disable Theatre: “Una de las cosas que más me impresionó en mi vida fue en la dOCUMENTA(12). En los días de la inauguración se representó una pieza teatral que no partía de un artista visual: Disable Theatre, “teatro de los discapacitados”, del coreógrafo francés Jérôme Bel. Yo la vi de sorpresa (…) nunca había visto nada suyo en vivo y me quedé muy impresionado, me pareció un trabajo excelente. Me fascinó porque también resonaba con el trabajo del resto de los artistas, a mi me resultó una invitación a alguien del mundo de los museos terriblemente inspiradora y que aportaba muchas cosas”.

    Un ejercicio de sintonía entre el mundo de las artes visuales y el resto de las disciplinas culturales; es lo que responde de Llano cuando le preguntamos por su opinión respecto a macroeventos culturales como bienales o dOCUMENTAs. 2013 fue el año de la bienal de Massimiliano Gioni con Il Pallazio Enciclopedico, una exposición inspirada en Marino Auriti (1891-1980) quien patentó un gigantesco museo para albergar todo el conocimiento humano y un año antes sucedió la dOCUMENTA(13) de Carolyn Christov-Bakargiev con Collapse and Recovery, como ella misma definió, un elogio a la confusión. “La Bienal de Gioni no la he visto, procuro seleccionar mucho cuales son los eventos de este tipo que no me quiero perder, si que vi la dOCUMENTA de Carolyn. dOCUMENTA es un proyecto muy específico alemán que surge en un momento muy concreto y en un lugar muy concreto después de la II Guerra Mundial que se celebra cada cinco años y que tiene una vocación de debate, crítico e intelectual, que no es tan fácil de encontrar en las bienales; tal vez porque las bienales tienen una vocación más de actualidad que de establecer debates de fondo. De las cuatro dOCUMENTA que he visto desde el año 97, tres de ellas fueron sin duda eventos culturales, para mi, muy influyentes. La de Catherine David en el 97, la de Okwui Enwezor en el 2002, y desde luego la de Carolyn en 2012, la de 2007 con Roger-Martin Buergel fue la que menos me interesó, sinceramente, creo que no fue, para mi, muy enriquecedora, pero las demás si y la última particularmente fue un macroevento en el que se presentaron trabajos interesantes, muy profundos, que te permitían descubrir cosas nuevas y creo que será un evento muy recordado”.

    Otra escala y otras intenciones son las que evidencian que “Jugada a tres bandas” (ahora sintetizado en a3bandas) se consolida como uno de los eventos nacionales más enriquecedores. La intención de limar fricciones entre comisarios, galeristas y artistas lleva al colectivo madrileño Hablarenarte a diseñar una táctica de interacción entre diferentes agentes del mundo de la cultura. Originalmente pensado para Madrid, el modelo ya se desarrolla en Barcelona creando una red de intercambios que ojalá, llegue también a la periferia. Pedro de Llano participó en esta iniciativa junto a la Galería Bacelos que recientemente abrió sede en Madrid, presentando una exposición conjunta de Loretta Fahrenholz y Reena Spaulings. Así nos cuenta como pensó y desarrolló la invitación que le hizo A3B:

    "The Art dealers" (serie). Galería Bacelos. Madrid. 2013
    Reena Spaulings

    “Reena Spaulings es una artista ficticia. Tras ella hay un colectivo que cambia de autoría con cada proyecto, aunque hay gente permanente que conforma el núcleo. Es muy interesante la parte en que Reena Spaulings es también una galería en Nueva York, siendo una artista ficticia que tiene el mismo nombre que la galería. Dos de las personas que son el alma del colectivo también son los directores de la galería: John Kelsey y Emily Sundblad. Tanto John como Emily son artistas individualmente, en el caso de Kelsey es también uno de los mejores críticos de arte de su generación en los Estados Unidos. Hay un libro que recopila sus artículos que se titula Rich Texts: Selected Writing for Art que publicó Sternberg Press hace dos o tres años, además es editor de Artforum y un personaje muy interesante. La invitación a Reena Spaulings conecta por ese lado, y luego yendo un poco más al fondo del asunto tenía también que ver con lo que está sucediendo en el mundo del arte y de las galerías en particular. Hoy en día estamos viviendo una transición muy importante, generacional, que está coincidiendo con la crisis, donde hay toda una serie de proyectos de galerías decisivas en los últimos cuarenta años en España, como Soledad Lorenzo, Juana de Aizpuru, Pepe Cobo, muchas… galerías que han marcado la historia del arte desde la transición, pues estas galerías históricas o bien han cerrado, o bien están cambiando, mientras surgen nuevos proyectos de gente joven. Creo que el fenómeno de Doctor Fourquet, donde muchas galerías han ido a abrir sus espacios, también incluso de fuera de Madrid, representa muy bien ese espíritu. Por ahí viene la posibilidad de trabajar con un proyecto como Reena Spaulings y además con una obra que también habla sobre eso, se titula de The Art Dealers, retratos de nuevos galeristas de la generación de Spaulings; su exhibición dentro del contexto de “A tres bandas” tenía mucho sentido.

    Fotograma de "Implotion" (2011)
    Loretta Fahrenholz

    El trabajo de Loretta Fahrenholz, en cambio, es un trabajo que me resultó fascinante desde el principio. Es ese este tipo de trabajos que los ves y te quedas un poco impactado, piensas en ellos durante mucho tiempo porque crees que has visto algo nuevo que no comprendes del todo, e intentas investigar que es lo que se está proponiendo con esas obras. En su caso tenía más que ver con el colectivo de gente joven, gente que vive de profesiones creativas diseñadores, artistas, escritores, periodistas… que tienen unas vidas en flujo, unas veces hacen unas cosas, otras veces hacen otras, son freelance, es decir, viven en este mundo de precariedad laboral que en las grandes ciudades como Madrid resulta especialmente visible. El trabajo de Loretta parte o toma como punto de partida este grupo humano y a partir de eso desarrolla una serie de temas en una película que se llama Implosion (2011) que tuvo como telón de fondo el movimiento Movimiento Occupy Wall Street en Nueva York en 2011 cuando se juntaron todos en aquella plaza de modo paralelo al 15M en Madrid. Para trabajar sobre todo esto Loretta tomó como referencia un texto de una escritora, poeta y dramaturga del movimiento No Wave de Nueva York de principios de los años ochenta que se llamaba Kathy Acker. El texto se llama Implosion y lo que hace Loretta es reinterpretarla en el Manhattan contemporáneo. A su vez la obra de Acker hace referencia a la Revolución Francesa por lo que es un trabajo que alude a la contemporaneidad a través de muchas capas. Desde el primer momento en que vi la película de Loretta siempre tuve la intención de, en cuanto tuviese la posibilidad, mostrarla en Madrid”.

    Pero de Llano pertenece a esa categoría profesional anfibia capaz de moverse entre el cubo blanco y las cloacas. A pesar de su proyección pública como comisario institucional y como crítico en medios como EXIT Express o AfterAll, entre otros, encontramos en su trayectoria una pequeña joya expositiva desarrollada en una antigua imprenta destartalada. La exposición se tituló FUTURE es Dan Graham y el resultado fue un ejercicio de sintonía entre fondo y forma, partiendo de un presupuesto a todas luces, precario. El espacio Uma cierta falta de coerência en la ciudad de Oporto surge como capricho de dos artistas portugueses: Mario Cerqueira y Andre Sousa; sus paredes sin pintar y esa pátina de tiempo, tan característistica de toda la ciudad, dialogan con naturalidad con los bocetos, las pequeñas maquetas o los vídeos en proceso que componían FUTURE es Dan Graham insuflándole a un artista ya consolidado nuevos aires de vigencia y contemporaneidad.

    “Hacer esta exposición fue un lujo. Después de varias conversaciones sobre arte y cosas que nos interesaban y teníamos en común, me propusieron invitar a Dan Graham a hacer un proyecto con ellos en “la coherencia”. El artista respondió muy rápidamente. Por supuesto al principio todo empezó con la posibilidad de hacer algo muy sencillo. Nos dijo que nos podía enviar unos vídeos y que podíamos trabajar a partir de esos DVDs, y aceptamos encantados. Pero una vez que teníamos su aprobación nos dimos cuenta que podíamos empezar a investigar a través de distintas vías y enriquecer más la propuesta. Un proyecto que básicamente arrancó del archivo personal de mi padre que es arquitecto y que trabajó con Dan Graham en varios pabellones en España y en Portugal durante un periodo de unos diez, doce años. En el archivo de mi padre había dibujos, maquetas, faxes… había un material muy interesante que contaba la historia de Graham con España y Portugal. Fue un proceso de aproximadamente año y medio de trabajo en el que fueron apareciendo otras cosas y como colofón a todo esto fuimos documentando todo ese proceso de trabajo: los encuentros que tuvimos con él en Londres, Nueva York, distintos lugares… e hicimos una película que documenta todo eso, era una de las piezas de la exposición donde además, íbamos mostrando pabellones que no se conocen o que no han sido publicados, como por ejemplo el de un coleccionista privado en Extremadura, estuvimos filmándolo en el mes de septiembre, y luego muchas entrevistas con gente que ha tenido contacto con el artista en España y en Portugal para que nos diesen sus puntos de vista. Por cuestiones de tiempo para la exposición en Oporto solo nos dio tiempo a hacer una edición ordenada de ese material que quedó en unas tres horas de duración como una edición en bruto y nuestra intención es seguir trabajando en esta película editándola hasta una duración de una hora aproximadamente, intentando añadir material que nos quedó pendiente que sabemos que puede ser muy interesante y que lo intentaremos filmar en los próximos meses”.

    Pedro de Llano Neira responde de alguna manera al paradigma del comisario contemporáneo, una suerte de hombre orquesta que escribe, comisaría, es docente en el Máster de de Arte, Museología y Crítica contemporánea de la USC y participa activamente en los procesos de creación y documentación de las piezas. Ahora prepara su próximo proyecto en La Galerie, Centre d’art contemporain, en el barrio Noisy-le-sec de París. Una residencia de tres meses para producir Disparidad y demanda, una exposición cuya génesis surge de la obra homónima de Juan Luis Moraza para construirse a través de Babi Badalov, Ricardo Basbaum, Mauro Cerqueira, Loretta Fahrenholz o John Knight y que se enmarca dentro del ciclo comisarial que presenta La Galerie para este 2014 titulada Formas de Afecto.

    Disparidad y demanda
    Juan Luis Moraza. Molde de beso en plata. 2,3 x 6,4 x 2,4 cms. 2004.

    Disparidad y demanda. Juan Luis Moraza. Molde de beso en plata. 2,3 x 6,4 x 2,4 cms. 2004.

    ALGUNOS LINKS:

    /Foto de portada: Michael Blaser/